Observada en vida y reinventada en la pintura – una entrevista con Judith Linhares
por Sandino Scheidegger
Has vivido en Nueva York exactamente el mismo tiempo que viviste en California: cuarenta años. ¿Cómo ha influido la cultura de Bay Area de los años 60 y 70 en tus pinturas hasta ahora?
Creo que todos estamos mucho más informados por los tiempos en que vivimos y las reacciones y señales que recibimos de las personas que nos rodean de lo que queremos darnos cuenta o admitir.
Al crecer, fui consciente de cómo se definían a sí mismos mis parientes de California. “No somos como esas personas de la Costa Este”, decían, refiriéndose al tipo de personas que son exclusivamente preocupadas por las credenciales. Se decía que en el Oeste tenías la libertad de la historia y tradición, así como del espacio físico para tu propio ser.
Al principio, cuando llegué a la mayoría de edad en Los Ángeles en los años 50, la noción de lo que era ser “moderno” estaba a la vista. Había muy poco sentimentalismo sobre el pasado o sobre mantener las cosas como estaban. Vi mucho excelente arte moderno en el museo del condado de Los Ángeles y la escuela del expresionismo abstracto estaba bien establecida y representada en ese momento. La gente venía a la Costa Oeste de todas partes del país, para reinventarse y cumplir sus sueños de convertirse en otra cosa. Lo cual es bastante diferente de Nueva York, donde la gente se movería en busca de un pensamiento riguroso y una validación.
Mi motivación proviene del deseo de sumergirme en el proceso de pintar, de sentir el poder de invención y confeccionar una forma coherente y creíble utilizando el espacio y la luz.
FIRE SIDE
Serigrafía, 29.1 x 34.5 pulg. (74 x 87.7 cm)
Producida sobre papel Canson 100% algodón de 320 g
¿Cómo se ve la cultura de manera diferente entre Nueva York y California?
Nueva York es una ciudad más antigua con museos de clase mundial y muchas conexiones con Europa. Es fácil conocer a otros artistas en Nueva York. Todos están preparados para hablar y opinar sobre qué arte es y lo que debe hacer. Urgen las ideas y la importancia de la cultura en Nueva York.
Los artistas en California, por otro lado, están menos involucrados en tener una conversación con la historia. California ofrece soledad y libertad de la marcha de la historia, libertad para inventarse uno mismo.
Poco antes de mudarte a Nueva York, fuiste incluida en la influyente exhibición "Bad" Painting, en el New Museum, curada por Marcia Tucker. El título irónico de la muestra también fue el nombre dado a una tendencia en la pintura figurativa estadounidense que rompió con los enfoques tradicionales a favor de un estilo de figuración más personal. ¿Hubo alguna vez algún tipo de cohesión entre los pintores figurativos de la época (como con el movimiento abstracto americano), o era un grupo ligeramente vinculado? ¿Cómo te relacionaste con tu contemporáneos y compañeros artistas en la muestra?
Marcia Tucker fue una curadora visionaria que se propuso explorar el arte estadounidense en los años 70. Ella tenía un pensamiento igualitario y quería explorar una amplia gama de ideas sobre lo que podría ser el arte. Marcia pensó que los museos estadounidenses podrían ser más inclusivos y más receptivos a las ideas germinando en el presente.
La exposición “Bad” Painting se propuso muy conscientemente incluir a personas de todas las partes de Estados Unidos. Lugares como Chicago, Los Ángeles, Texas y San Francisco tenían escenas únicas del arte, las cuales eran consideradas provincianas según los estándares de Nueva York. Cada una de estas áreas estuvo representada en la muestra, así como una amplia gama de edades y enfoques de materiales y procesos.
Conocí a muchos de los artistas en la exhibición. Estuve conversando con gente como Jim Albertson sobre haber vivido en Bay Area. Como resultado de la muestra conocí a Charles Garabedian, quien luego se convirtió en mi amigo.
Tu trabajo está lleno de maravillas y representa un mundo en sí mismo, pintado con colores exuberantes y paisajes de ensueño. ¿El espectador se sumerge en el "mundo de Judith", uno que hace eco o representa algo dentro de ti? ¿Es un mundo imaginado cuidadosamente pintado de fantasía?
La imaginería de mi trabajo llega a través del proceso de pintar. Imagino figuras o animales en entornos específicos como el mar, el bosque, el desierto, la montaña, realizando tareas como cavar, barrer, nadar, dormir, comer o mostrando sus gestos y apetito.
Me interesa el poder curativo de las narrativas. Me inspiro en la mitología y los cuentos de hadas porque hablan de conflictos que son comunes a todos. Cosas como la necesidad de probarse uno mismo antes de seguir adelante, necesitando ser liberado de una bruja o un rey loco que ha lanzado un hechizo malévolo sobre ti, y así sucesivamente.
En estas historias, el protagonista a menudo se enfrenta a su tarea solo, sin otros aliados aparte de embajadores de la naturaleza como hormigas, pájaros, ranas o espíritus. Mis pinturas representan un elevado momento narrativo antes de que se resuelva un conflicto.
Tus pinturas a menudo representan mujeres fuertes, animales juguetones y ramos de flores. Son estos protagonistas sacados directamente de tu propia vida? ¿De dónde viene tu fascinación de toda la vida por ellos?
Las mujeres, los animales y las flores son invenciones, pero tienen paralelos en la vida real a mi madre y tía, quienes eran mujeres independientes y atléticas que siguieron sus propios caminos y podían cambiar un neumático si surgiera la ocasión. Muchos de los detalles en mis pinturas, como textiles y mantas estampadas, se observan en la vida real y se reinventan en pintura.
Mi motivación proviene del deseo de sumergirme en el proceso de pintar, de sentir el poder de invención y confeccionar una forma coherente y creíble utilizando el espacio y la luz.
Estás a punto de lanzar una serigrafía con Multiplo, realizada por el maestro impresor Arturo Negrete Cuellar en la Ciudad de México. ¿Cómo se compara la práctica del grabado con la pintura y qué te motivó a explorarlo?
Hacer que el arte sea más asequible ha sido uno de mis intereses desde el principio. Recuerdo que cuando yo era una humilde estudiante de arte en San Francisco, iba a una librería local donde vendían impresiones de arte. Compré un grabado de Adán y Eva de Alberto Durero, que guardé durante años y siempre ha sido importante para mí como artista.
Estoy muy entusiasmada por participar en el proyecto de Multiplo. Se hace eco de mi preocupación de que el arte debería estar más disponible para más personas. He trabajado con muchos impresores excelentes y siempre aprendo de situaciones de colaboración como estas.
